• ¿Qué grado de afinidad mantienes con los distintos puntos de vista desarrollados a lo largo de la historia de la Educación Artística?
Antigüedad: a en cuanto a la utilidad del arte.
Edad Media: poca afinidad, no se estimula la creatividad, sólo la calidad material del producto.
Romanticismo: afinidad en cuanto a la funcionalidad, pero debe ser algo más.
Siglo XIX: afinidad en cuanto se impone la enseñanza artística en las escuelas.
Primera mitad del siglo XX: afín en cuanto se reconoce el arte infantil como una manera de expresarse.
Segunda mitad del siglo XX: afinidad con la autoexpresión crítica y el lenguaje visual
• Crítica constructiva de la historia de la Educación Artística: pros y contras.
Antigüedad.
(+) Funciones enseñanza del dibujo: utilidad y capacidad para observar la belleza.
Edad Media.
(-) Consideración de la pintura, escultura, orfebrería, etc., como cualificados oficios manuales.
(-) No se espera que los productos y objetos sean originales o innovadores, se espera que estuviesen confeccionados con los mejores materiales.
Las academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.
(+) Se organizan las escuelas y academias de dibujo.
(+) Enseñanza del dibujo como base de todas las Bellas Artes.
(-) Aprendizaje a través del copiado de diferentes láminas que iban desde nociones básicas de geometría, a elementos del cuerpo humano, dibujos complejos de grandes maestros y finalmente se llegaba al dibujo del natural.
(+) Existencia de estudios teóricos: perspectiva, anatomía, teoría de la proporción y estética.
Siglo XIX: el dibujo en las escuelas.
(+) El dibujo se convierte en un vehículo de desarrollo tecnológico y de fabricación industrial.
(+) El dibujo se desdobla en dos grandes vertientes: la artística y la técnica.
Primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.
(+) El dibujo de los niños deja de interpretarse como errores y es considerado como una manifestación genuina y propia que tiene la infancia de comprender el mundo.
6.- Segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.
La autoexpresión creativa
(+) La persona que se estaba formando era lo decisivo.
(+) A través del arte se aprende a ser persona, las actividades artísticas propician que el desarrollo personal.
(+) El dibujo libre y espontáneo que se convierte el la herramienta básica de la educación artística, se intenta desarrollar la capacidad creativa del alumno.
La consolidación institucional: INSEA
(+) Los conocimientos artísticos sonde múltiple aplicación.
(+) Las artes son indispensables para el desarrollo como persona.
(+) Se debe fomentar la educación visual de los niños para orientar su inteligencia y formar sus gustos.
El lenguaje visual como modo de conocimiento
(+) La imagen no tiene que ver sólo con emociones y sentimientos, sino que constituye una forma de pensamiento. Esto viene propiciado sobre todo por el poderoso auge de de grandes medios de comunicación como la televisión, la publicidad y la prensa gráfica.
(+) Las imágenes y determinados códigos visuales son capaces de comunicar tal y como lo hace el lenguaje verbal.
La Educación Artística Basada en la Disciplina(DBAE)
(-) El objetivo principal es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte.
(-) Las obras de arte ocupan un lugar central, deben estudiarse tanto bellas artes, como artes populares, de todas las culturas y épocas.
• Educación Artística en el presente.
Debe ser una materia en la que se fomente la creatividad del alumno, para que pueda aplicarla posteriormente en todas las facetas de la vida; en la que se enseñe al alumno el significado de las imágenes y como usar las mismas mediante técnicas que deben aprenderse a lo largo del proceso educativo; y en las que el alumno debe tener conocer el significado de las obras de arte, en su época, sociedad y contexto, pero sin que esto suponga la base y el fundamento de la enseñanza artística.
viernes, 19 de febrero de 2010
jueves, 11 de febrero de 2010
HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA
1.- Antigüedad.
- Primeras reflexiones realizadas por Platón y Aristóteles.
- Funciones enseñanza del dibujo: utilidad y capacidad para observar la belleza.
2.- Edad Media.
- Consideración de la pintura, escultura, orfebrería, etc., como cualificados oficios manuales.
- Aprendizaje en los propios talleres de trabajo, centrado en los materiales y a las técnicas.
- No se espera que los productos y objetos sean originales o innovadores, se espera que estuviesen confeccionados con los mejores materiales.
3.- Las academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.
- Se organizan las escuelas y academias de dibujo.
- Giorgio Vasari fundó la primera en Florencia en el año 1563:
• Orientación especializada y profesional.
• Enseñanza del dibujo como base de todas las Bellas Artes.
• Aprendizaje a través del copiado de diferentes láminas que iban desde nociones básicas de geometría, a elementos del cuerpo humano, dibujos complejos de grandes maestros y finalmente se llegaba al dibujo del natural.
• Existencia de estudios teóricos: perspectiva, anatomía, teoría de la proporción y estética.
4.- Siglo XIX: el dibujo en las escuelas.
- Se encuentran con el primer gran problema: enseñar dibujo al conjunto de la población.
- Debido a una sociedad cada vez más industrializada, el dibujo se convierte en un vehículo de desarrollo tecnológico y de fabricación industrial.
- Orientación figurativa, con sólidas bases de geometría.
- El dibujo se desdobla en dos grandes vertientes: la artística y la técnica.
- En 1803, Johann Heinrich Pestazolli publica el primer manual de Educación Artística para la infancia: ABC de la, intuición o intuición de las proporciones. Establece en este manual:
• Necesidad de que los niños delineen, sin reglas, la recta y el cuadrado.
• Que el dibujo de los niños se reduzca a lo anterior
• Que inventen combinaciones de la línea y del círculo para avivar su fantasía.
• Estos ejercicios suponen la base que sustentarán el aprendizaje del dibujo y el refinamiento de la percepción visual, en la que se apoya el pensamiento.
• En la segunda mitad del siglo se desarrollan gran multitud de manuales basados en la copia de láminas, se usaron en escuelas de magisterio, primaria, secundaria y para la formación del profesorado.
5.- Primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.
- El dibujo de los niños deja de interpretarse como errores y es considerado como una manifestación genuina y propia que tiene la infancia de comprender el mundo.
- Franz Cizec, en 1904, abre la primera escuela de arte infantil, que posteriormente se incorporó a la Escuela de artes y oficios de Viena. Eran clases de dibujo libre y espontáneo para niños.
6.- Segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.
- Herbert Read y Viktor Lowenfeld publicaron una de la obras bases de la educación artística conocida como “autoexpresión creativa”.
La autoexpresión creativa
-La gran novedad es que la persona que se estaba formando era lo decisivo.
- No son sólo aprendices de dibujo, son seres humanos que tienen que desarrollarse plenamente.
- A través del arte se aprende a ser persona, las actividades artísticas propician que el desarrollo personal.
-El dibujo libre y espontáneo que se convierte el la herramienta básica de la educación artística, se intenta desarrollar la capacidad creativa del alumno.
La consolidación institucional: INSEA
-En 1951, la UNESCO, organizó un seminario en Bristol( Reino Unido), en el que se fundó la Sociedad Internacional de Educación a través del Arte (INSEA), que es la fundación más importante a nivel internacional de educación artística.
-En 1955, en la Conferencia Internacional de Instrucción Pública, se aprueban las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en las escuelas de primaria y secundaria. Los tres principales fundamentos son:
• Los conocimientos artísticos sonde múltiple aplicación.
• Las artes son indispensables para el desarrollo como persona.
• Se debe fomentar la educación visual de los niños para orientar su inteligencia y formar sus gustos.
El lenguaje visual como modo de conocimiento
- Arnheim, de la escuela de la “Gestalt”, demuestra queque la percepción visual es un proceso cognitivo, activo y complejo.
- La imagen no tiene que ver sólo con emociones y sentimientos, sino que constituye una forma de pensamiento. Esto viene propiciado sobre todo por el poderoso auge de de grandes medios de comunicación como la televisión, la publicidad y la prensa gráfica.
- Las imágenes y determinados códigos visuales son capaces de comunicar tal y como lo hace el lenguaje verbal.
- Dondis, postuló los elementos básicos del lenguaje visual: el punto, la línea, el contorno, la dirección, el tono, el color, la textura, la escala o proporción, la dimensión y el movimiento. Estos elementos fueron incluidos en el currículo de las artes visuales.
Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa
- Según Eisner, el desarrollo artístico no es simplemente una consecuencia genética, sino que está fuertemente influenciado por las condiciones del entorno en el que tiene lugar.
- Desarrollo múltiples proyectos educativos: materiales didácticos, escalas de evaluación de los conocimientos de las actitudes artísticas, etc.
La Educación Artística Basada en la Disciplina(DBAE)
- El objetivo principal es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte.
- Los contenidos son estructurados atendiendo a:
• La estética.
• La crítica del arte.
• La historia del arte.
• Las diferentes modalidades artísticas.
- Las obras de arte ocupan un lugar central, deben estudiarse tanto bellas artes, como artes populares, de todas las culturas y épocas.
- Redefine la creatividad: capacidad para dar respuestas innovadoras a partir de un profundo conocimiento y dominio de las convenciones artísticas.
- En los últimos años se han cuestionado dos asuntos:
• El énfasis de las obras de arte como contenido central del currículo.
• Dependencia de los ámbitos profesionales, que no siempre incorporan de manera rápida y eficaz los temas más novedosos: ecología, feminismo, multiculturalismo, etc.
- Primeras reflexiones realizadas por Platón y Aristóteles.
- Funciones enseñanza del dibujo: utilidad y capacidad para observar la belleza.
2.- Edad Media.
- Consideración de la pintura, escultura, orfebrería, etc., como cualificados oficios manuales.
- Aprendizaje en los propios talleres de trabajo, centrado en los materiales y a las técnicas.
- No se espera que los productos y objetos sean originales o innovadores, se espera que estuviesen confeccionados con los mejores materiales.
3.- Las academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.
- Se organizan las escuelas y academias de dibujo.
- Giorgio Vasari fundó la primera en Florencia en el año 1563:
• Orientación especializada y profesional.
• Enseñanza del dibujo como base de todas las Bellas Artes.
• Aprendizaje a través del copiado de diferentes láminas que iban desde nociones básicas de geometría, a elementos del cuerpo humano, dibujos complejos de grandes maestros y finalmente se llegaba al dibujo del natural.
• Existencia de estudios teóricos: perspectiva, anatomía, teoría de la proporción y estética.
4.- Siglo XIX: el dibujo en las escuelas.
- Se encuentran con el primer gran problema: enseñar dibujo al conjunto de la población.
- Debido a una sociedad cada vez más industrializada, el dibujo se convierte en un vehículo de desarrollo tecnológico y de fabricación industrial.
- Orientación figurativa, con sólidas bases de geometría.
- El dibujo se desdobla en dos grandes vertientes: la artística y la técnica.
- En 1803, Johann Heinrich Pestazolli publica el primer manual de Educación Artística para la infancia: ABC de la, intuición o intuición de las proporciones. Establece en este manual:
• Necesidad de que los niños delineen, sin reglas, la recta y el cuadrado.
• Que el dibujo de los niños se reduzca a lo anterior
• Que inventen combinaciones de la línea y del círculo para avivar su fantasía.
• Estos ejercicios suponen la base que sustentarán el aprendizaje del dibujo y el refinamiento de la percepción visual, en la que se apoya el pensamiento.
• En la segunda mitad del siglo se desarrollan gran multitud de manuales basados en la copia de láminas, se usaron en escuelas de magisterio, primaria, secundaria y para la formación del profesorado.
5.- Primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.
- El dibujo de los niños deja de interpretarse como errores y es considerado como una manifestación genuina y propia que tiene la infancia de comprender el mundo.
- Franz Cizec, en 1904, abre la primera escuela de arte infantil, que posteriormente se incorporó a la Escuela de artes y oficios de Viena. Eran clases de dibujo libre y espontáneo para niños.
6.- Segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.
- Herbert Read y Viktor Lowenfeld publicaron una de la obras bases de la educación artística conocida como “autoexpresión creativa”.
La autoexpresión creativa
-La gran novedad es que la persona que se estaba formando era lo decisivo.
- No son sólo aprendices de dibujo, son seres humanos que tienen que desarrollarse plenamente.
- A través del arte se aprende a ser persona, las actividades artísticas propician que el desarrollo personal.
-El dibujo libre y espontáneo que se convierte el la herramienta básica de la educación artística, se intenta desarrollar la capacidad creativa del alumno.
La consolidación institucional: INSEA
-En 1951, la UNESCO, organizó un seminario en Bristol( Reino Unido), en el que se fundó la Sociedad Internacional de Educación a través del Arte (INSEA), que es la fundación más importante a nivel internacional de educación artística.
-En 1955, en la Conferencia Internacional de Instrucción Pública, se aprueban las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en las escuelas de primaria y secundaria. Los tres principales fundamentos son:
• Los conocimientos artísticos sonde múltiple aplicación.
• Las artes son indispensables para el desarrollo como persona.
• Se debe fomentar la educación visual de los niños para orientar su inteligencia y formar sus gustos.
El lenguaje visual como modo de conocimiento
- Arnheim, de la escuela de la “Gestalt”, demuestra queque la percepción visual es un proceso cognitivo, activo y complejo.
- La imagen no tiene que ver sólo con emociones y sentimientos, sino que constituye una forma de pensamiento. Esto viene propiciado sobre todo por el poderoso auge de de grandes medios de comunicación como la televisión, la publicidad y la prensa gráfica.
- Las imágenes y determinados códigos visuales son capaces de comunicar tal y como lo hace el lenguaje verbal.
- Dondis, postuló los elementos básicos del lenguaje visual: el punto, la línea, el contorno, la dirección, el tono, el color, la textura, la escala o proporción, la dimensión y el movimiento. Estos elementos fueron incluidos en el currículo de las artes visuales.
Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa
- Según Eisner, el desarrollo artístico no es simplemente una consecuencia genética, sino que está fuertemente influenciado por las condiciones del entorno en el que tiene lugar.
- Desarrollo múltiples proyectos educativos: materiales didácticos, escalas de evaluación de los conocimientos de las actitudes artísticas, etc.
La Educación Artística Basada en la Disciplina(DBAE)
- El objetivo principal es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte.
- Los contenidos son estructurados atendiendo a:
• La estética.
• La crítica del arte.
• La historia del arte.
• Las diferentes modalidades artísticas.
- Las obras de arte ocupan un lugar central, deben estudiarse tanto bellas artes, como artes populares, de todas las culturas y épocas.
- Redefine la creatividad: capacidad para dar respuestas innovadoras a partir de un profundo conocimiento y dominio de las convenciones artísticas.
- En los últimos años se han cuestionado dos asuntos:
• El énfasis de las obras de arte como contenido central del currículo.
• Dependencia de los ámbitos profesionales, que no siempre incorporan de manera rápida y eficaz los temas más novedosos: ecología, feminismo, multiculturalismo, etc.
UD: LA UNIDAD DIDÁCTICA
Introducción
La presente unidad didáctica va dirigida para un grupo heterogéneo de 58 alumnos del MAES; dentro del grupo podemos encontrar una gran diversidad de alumnos procedentes de diferentes carreras: arquitectos, arquitectos Técnicos, ingenieros y estudiantes de Bellas Artes. L c citada unida se realiza para aportar al grupo los conocimientos básicos para el desarrollo y ejecución de una unidad didáctica, fundamental para su carrera profesional, así como para lograr superar las consabidas oposiciones.
Objetivos
• Conocer qué es y cómo se hace una unidad didáctica.
• Desarrollar el metaconocimiento, pensar sobre el concepto que el alumno tiene de unidad didáctica.
Competencias
• Competencia en comunicación lingüística.
• Competencia matemática.
• Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo físico.
• Tratamiento de la información y competencia digital.
• Competencia social y ciudadana.
• Competencia cultural y artística.
• Competencia para aprender a aprender.
• Autonomía e iniciativa personal.
Contenidos
1.- Conceptuales.
• Conocimiento de para qué sirve una unidad didáctica.
• Conocimiento de la estructura de una unidad didáctica.
• Conocimiento de para qué sirve un mapa conceptual.
2.- Procedimentales.
• Desarrollo de mapas conceptuales.
Metodología
1.- Temporalización: 90 minutos
2.- Actividades.
• Exposición magistral por parte del profesor del tema.( 60 minutos)
• Estudio de forma individual por parte de los alumnos de unidades didácticas de temas de sobra conocidos por los mismos.(15 minutos)
• Debate general, con dudas y conclusiones, acerca del tema abordado.(15minutos)
3.- Materiales.
• Proyector y pizarra.
• Unidades didácticas previamente realizadas.
Evaluación
• Realizar de forma individual, y en horas no lectivas, una unidad didáctica sobre un tema libre dominado por el alumno.
• Evaluación por parte del profesor de los conceptos que han resultado más confusos para los alumnos con el fin de mejorarlo en sucesivas explicaciones.
La presente unidad didáctica va dirigida para un grupo heterogéneo de 58 alumnos del MAES; dentro del grupo podemos encontrar una gran diversidad de alumnos procedentes de diferentes carreras: arquitectos, arquitectos Técnicos, ingenieros y estudiantes de Bellas Artes. L c citada unida se realiza para aportar al grupo los conocimientos básicos para el desarrollo y ejecución de una unidad didáctica, fundamental para su carrera profesional, así como para lograr superar las consabidas oposiciones.
Objetivos
• Conocer qué es y cómo se hace una unidad didáctica.
• Desarrollar el metaconocimiento, pensar sobre el concepto que el alumno tiene de unidad didáctica.
Competencias
• Competencia en comunicación lingüística.
• Competencia matemática.
• Competencia en el conocimiento y la interacción con el mundo físico.
• Tratamiento de la información y competencia digital.
• Competencia social y ciudadana.
• Competencia cultural y artística.
• Competencia para aprender a aprender.
• Autonomía e iniciativa personal.
Contenidos
1.- Conceptuales.
• Conocimiento de para qué sirve una unidad didáctica.
• Conocimiento de la estructura de una unidad didáctica.
• Conocimiento de para qué sirve un mapa conceptual.
2.- Procedimentales.
• Desarrollo de mapas conceptuales.
Metodología
1.- Temporalización: 90 minutos
2.- Actividades.
• Exposición magistral por parte del profesor del tema.( 60 minutos)
• Estudio de forma individual por parte de los alumnos de unidades didácticas de temas de sobra conocidos por los mismos.(15 minutos)
• Debate general, con dudas y conclusiones, acerca del tema abordado.(15minutos)
3.- Materiales.
• Proyector y pizarra.
• Unidades didácticas previamente realizadas.
Evaluación
• Realizar de forma individual, y en horas no lectivas, una unidad didáctica sobre un tema libre dominado por el alumno.
• Evaluación por parte del profesor de los conceptos que han resultado más confusos para los alumnos con el fin de mejorarlo en sucesivas explicaciones.
jueves, 4 de febrero de 2010
primer conflicto on-line
Para comenzar, podríamos decir, que la educación artística, es aquella que va más allá de un simple conocimiento de datos históricos, formas de representación de objetos, estudio de técnicas; debe ser capaz de que el alumno por si mismo redefina la percepción que tiene de los objetos, lo ayude a expresarse de diferentes de formas y fomentar en el mismo una capacidad creativa. El educador debe ser aquella persona que guíe al alumno en este proceso, debe ser capaz de fomentar esta capacidad creativa en el alumno, superponiendo esto sobre la capacidad innata que tiene el alumno en el uso de determinadas técnicas.
En cuanto al goce estético de las imágenes que se presentan en el video, comentar que, si separamos las imágenes del contexto en el que se desarrollaron, existe un cierto goce estético, o quizás, más que eso, las imágenes resultan realmente impactantes, pero en las obras de arte lo que se busca también es un grado de impacto.
En referencia a la relación del arte con la belleza, creo que la primera idea, la más primitiva, que tenemos de arte, es la de si algo es bello o no, gusta o no gusta; pero indudablemente cuando pretendemos ahondar el concepto de arte, la belleza debe pasar a formar parte de un papel secundario, ya que a todo el mundo no le parece bello o feo lo mismo.
Hablando del sentido artístico o estético de las imágenes del “Cerro de siete colores”, comentar que, desde mi punto de vista y el de mis compañeros, para que un objeto sea considerado artístico debe haber una intervención por parte del ser humano. No obstante, las imágenes nos parecieron a los miembros del grupo estéticas.
La creación artística no debería ser limitada, siempre y cuando exista una voluntariedad mutua a la hora de hacer la obra, como es el caso de la performance. Una vez creada la obra, cada individuo será libre de decidir si quiere o no quiere contemplar una obra y, una vez vista, podremos entenderla o no entenderla, sin que ello quiera decir que es, o no es, una obra de arte.
El uso de la técnica, desde mi punto de vista, puede ser a lo mejor imprescindible para determinadas formas de expresión artística, pero no tiene por que serlo para todas; existen obras que carecen de la misma pero al mismo tiempo son consideradas obras de artes.
En referencia a la originalidad, ésta debe ser condición de la obra de la obra de arte, incluso en una obra copiada puede existir originalidad, es el primero que ha pensado en realizar una copia de esa obra.
Para finalizar, en la obra artística debe existir una esencia, pero indudablemente algunas están más influenciadas por el entorno cultural de la misma.
Nociones de:
-Arte: capacidad que tiene el individuo para expresarse acerca de cómo él concibe su medio, su vida, su mundo y que se realizan con la intención de que el resto de individuos se sientan partícipes de las misma.
-Artista: individuo, que tras el estudio de determinadas técnicas o no, es capaz de expresarse de forma creativa y original.
-Manifestación estética: todo aquello que pueda parecer o esté relacionado con la belleza, pero que no tiene por que ser considerado como arte.
En cuanto al goce estético de las imágenes que se presentan en el video, comentar que, si separamos las imágenes del contexto en el que se desarrollaron, existe un cierto goce estético, o quizás, más que eso, las imágenes resultan realmente impactantes, pero en las obras de arte lo que se busca también es un grado de impacto.
En referencia a la relación del arte con la belleza, creo que la primera idea, la más primitiva, que tenemos de arte, es la de si algo es bello o no, gusta o no gusta; pero indudablemente cuando pretendemos ahondar el concepto de arte, la belleza debe pasar a formar parte de un papel secundario, ya que a todo el mundo no le parece bello o feo lo mismo.
Hablando del sentido artístico o estético de las imágenes del “Cerro de siete colores”, comentar que, desde mi punto de vista y el de mis compañeros, para que un objeto sea considerado artístico debe haber una intervención por parte del ser humano. No obstante, las imágenes nos parecieron a los miembros del grupo estéticas.
La creación artística no debería ser limitada, siempre y cuando exista una voluntariedad mutua a la hora de hacer la obra, como es el caso de la performance. Una vez creada la obra, cada individuo será libre de decidir si quiere o no quiere contemplar una obra y, una vez vista, podremos entenderla o no entenderla, sin que ello quiera decir que es, o no es, una obra de arte.
El uso de la técnica, desde mi punto de vista, puede ser a lo mejor imprescindible para determinadas formas de expresión artística, pero no tiene por que serlo para todas; existen obras que carecen de la misma pero al mismo tiempo son consideradas obras de artes.
En referencia a la originalidad, ésta debe ser condición de la obra de la obra de arte, incluso en una obra copiada puede existir originalidad, es el primero que ha pensado en realizar una copia de esa obra.
Para finalizar, en la obra artística debe existir una esencia, pero indudablemente algunas están más influenciadas por el entorno cultural de la misma.
Nociones de:
-Arte: capacidad que tiene el individuo para expresarse acerca de cómo él concibe su medio, su vida, su mundo y que se realizan con la intención de que el resto de individuos se sientan partícipes de las misma.
-Artista: individuo, que tras el estudio de determinadas técnicas o no, es capaz de expresarse de forma creativa y original.
-Manifestación estética: todo aquello que pueda parecer o esté relacionado con la belleza, pero que no tiene por que ser considerado como arte.
martes, 2 de febrero de 2010
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